Como todos los años la banda de Música estará presente en la Merendica para amenizar a todos los asistentes una tarde de pasodobles y demás canciones populares. Para los que desconozcan que es “La Merendica” es una fiesta popular de Abla que se celebra el Sábado de Pentecostés, es una fiesta de carácter comunitario que originalmente se celebraba con motivo de la Primera Comunión que realizaban los niños de la población. Actualmente la asistencia es general, formándose grupos previamente organizados por familiares y amigos que se encargan de los preparativos, a los que se suman los invitados para compartir este festivo día. Para más información pinchar en el enlace del blog ViveAbla.

1ª María Santísima de la O, compuesta por Abel Moreno.

2ª Sale la virgen de las Maravillas, compuesta por Víctor Ferrer.

3ª Pasa la Virgen Macarena, compuesta por Pedro Gámez.

4ª Virgen de las Angustias, compuesta por Luis Mejías.

5ª Pastora de Capuchinos, compuesta por Juan José Puntas Fernández.

6ª Amargura Coronada compuesta por Abel Moreno.

7ª En tu cruz, compuesta por Álvaro Ceregido y colaboró en su interpretación el coro de Abla.

Agradecemos su asistencia a todos los allí presentes y esperamos que lo disfrutaran como nosotros.

1ª María Santísima de la O, compuesta por Abel Moreno Gómez en el año 1990 y que está dedicada a la Virgen de la O de Sevilla.

2ªSale la Virgen de las Maravillas, compuesta por Víctor Ferrer.

3ªPasa la Virgen Macarena, compuesta pr Pedro Gámez en el año 1959 y dedicada a la Esperanza Macarena de Sevilla.

4ª Virgen de las Angustias, compuesta por Luis Mejías.

5ª Pastora de Capuchinos, compuesta por Juan José Puntas Fernández en el año 2001 y dedicada a Pastora de Capuchinos de Sevilla.

6ª Amargura Coronada, compuesta por Abel Moreno Gómez.

7ª En tu cruz, compuesta por Álvaro Ceregido y que será interpretada con la colaboración del Coro de Abla.

Durante el transcurso del concierto serán cantadas tres Saetas.

 Las primeras manifestaciones que tenemos sobre las bandas de música fueron bajo el reinado de Servio Tulio (578-534 a. c.), donde fueron instauradas en Roma las primeras Bandas militares. Su principal finalidad era conseguir acompasar la marcha. Estas primitivas agrupaciones tenían una escasa variedad de instrumentos musicales, solamente estaban constituidas por litus, tubas o trompetas rectas y buccinas romanas.

El papel representado por los músicos en la guerra, siempre ha tenido una vital importancia. Durante la Edad Media se usaban tambores y trompetas para las batallas. Las Cruzadas tuvieron un impacto particular en la música occidental a través de la introducción de una amplia gama de instrumentos en los ejércitos sarracenos: los metales, maderas, tambores y timbales. Es conocido que el ejército sarraceno hacía formar delante de sus combatientes a nutridas filas de tambores, cuyas sonoridades atemorizaban tanto a los visigodos, que creían ver con la llegada de estos adversarios la del fin del mundo.

Las marchas militares han acompañado a los hombres en los combates a lo largo de toda la historia de la humanidad y podría decirse que la historia de la música militar se inicia con aquella de los ejércitos, y estrechamente con la invención de los primeros elementos acústicos, de las expresiones que surgían de la civilización de las naciones y, también junto al grado de disciplina de las milicias.

Según se conoce por la historia de los pueblos primitivos, la atracción de la música militar ejecutada para incitar el ánimo de la tropa, nos demuestra que, según su empleo, crea un estado de verdadera exaltación psicológica, ya sea para aquellos que la ejecutan como para los que la escuchan.

Siguiendo esta premisa, los antiguos griegos desarrollaron la doctrina del "ethos", según la cual la música afectaba el carácter de las personas y les permitía desarrollar una determinada "virtud", según el estrato social que debiera ocupar en el esquema de organización de la ciudad o estado. De esta manera, aquellas personas destinadas a ser guerreros, por ej., debían desarrollar la "virtud" del coraje, y para ello durante su educación se les hacia escuchar música muy rítmica, fuerte y de carácter exultante.

Con los romanos la música guerrera adquiere forma más sapiente y triunfal. Las trompetas, timbales, platillos y tambores constituían esencialmente la base de la música militar, siendo la trompeta el principal instrumento de guerra, y cuyo nombre genérico comprendía: la tuba (trompeta recta), la bocina (trompeta circular) y el corno. Estos instrumentos marchaban cerca de los portaestandartes y daban señales al ejército, haciéndose oír a veces en forma solista y otras veces simultáneamente.

En la época de las guerras de Italia que aparecieron los primeros conjuntos de músicos agrupados a la cabeza de las tropas. Lo constituían ejecutantes de trompetas, cornos, tambores, timbales, platillos, pífanos y flautas. Más tarde se agregaron: el oboe, el fagot y la gaita.

 Adolphe Sax era un fabricante de instrumentos, flautista y clarinetista nacido en Dinant (Bélgica) que trabajaba en París. Mientras estaba trabajando en la tienda de instrumentos de su padre en Bruselas, Sax comenzó a desarrollar un instrumento que tenía la proyección de un instrumento de viento-metal con la movilidad de un instrumento de viento-madera.El instrumento nace como una mejora del clarinete llevada a cabo por Sax.

Dos años más tarde lo da a conocer en París, ciudad en la que establecería su taller de instrumentos y donde verían la luz el resto de instrumentos de la familia. Sax no solo se dedicó a la construcción y fabricación de saxofones puesto que de sus talleres hay quien cree que surgió la invención del fliscorno y del bombardino.

 El saxofón tuvo una rápida aceptación, especialmente en bandas militares, y captó la atención de los compositores románticos del momento. Se establecería además, la cátedra de saxofón en el conservatorio de París, a cargo del mismo Sax. Aunque el instrumento corrió el riesgo de caer en el olvido, el instrumento iría adquiriendo con el paso del tiempo numerosas mejoras y modificaciones en su mecánica y llaves. A partir de la década de 1920 y con el nacimiento del jazz, el saxofón volvería a renacer al servicio de una música y de unos intérpretes que lo llevarían a sus mejores cotas de expresividad. La versatilidad de éste instrumento propiciaría su incorporación también a otras músicas.

Creada en 1924 por Manuel López Farfán dedicada a la Hermandad de las Siete Palabras de Sevilla.

La Madrugá

Creada en 1987 por Abel Moreno Gómez dedicada a la Madrugá de Sevilla.

Mater Mea

Creada en 1961 por Ricardo Dorado Janeiro.

Macarena

Creada en 1988 por Abel Moreno Gómez dedicada a Esperanza Macarena de Sevilla.

Costalero

Creada en 1995 por Martín Salas Martínez, dedicada a los costaleros de la Hermandad de la Sangre de Huevar.

Virgen de los Estudiantes

Creada en 1987 por Abel Moreno Gómez, dedicada a la Virgen de las Angustias de Sevilla.

Anton Stadler (1753 - 1812) es, por supuesto, tan conocido, porque sus interpretaciones inspiraron Wolfgang Amadeus Mozart a la hora de escribir sus composiciones. Sin un genio del clarinete muy difícilmente se puede imaginar el amor de un compositor como Mozart por clarinete: En ese momento era un instrumento muy imperfecto. Por otra parte Stadler le gusta la mala vida, jugador infame y bebedor, cuyas facturas caían en manos de Mozart. Cuando Mozart murió pobre, Stadler todavía le debía dinero. Se cree que Stadler vendió muchas partituras e incluso clarinetes que no eran de su propiedad para pagar facturas y gastos de su estilo de vida.

Johann Simon Hermstedt

Johann Simon Hermstedt (1778-1846) fue el virtuoso con un gran talento técnico. Su sonido no debía de estar a la altura de Heinrich Baermann (razón por la que Weber prefiere Baermann y escribió para él). El compositor que escribió para él era Spohr . Spohr le daba igual si su escritura era cómoda para clarinete, eso era problema del instrumentista. Esto impulsó la mejora de manera importante la técnica del clarinete. Incluso hoy en día, con instrumentos muy avanzados a los de la época los cuatro conciertos para Hermstedt están repleto de retos difíciles para los clarinetistas más experimentados.

Heinrich Baermann

Heinrich Baermann (1784 - 1847) comenzó su carrera musical como oboísta en Potsdam. Luego aprendió a tocar el clarinete y se fue a Munich a la corte del rey Luis. Después de Viena y Londres, viajó por toda Europa en giras de conciertos. En Munich se reunió con Carl Maria von Weber y, al igual que Mozart, Weber escribió conciertos para Stadler. Pero el binomio o fórmula mágica fue Weber- Baermann. El éxito fue abrumador. Weber escribió a un amigo: "Toda la orquesta se volvió loca y me exige más conciertos".

Carl Baermann

El hijo de Heinrich Baermann (1811 - 1885) Carl era un jugador interprete, también, pero hoy puede ser aún más conocido como profesor de música y autor de un libro de clarinete, que la mayoría de los estudiantes alemanes siguen utilizando hoy en día. Él también ha ayudado a mejorar la mecánica y técnica del clarinete.

Richard Mühlfeld

Richard Mühlfeld (1856 - 1907) se inició como violinista en la orquesta de la corte de Meiningen, y aprendió a tocar el clarinete. Su importancia radica en su amistad con Johannes Brahms , que lo llamó - debido a su sonido dulce. Brahms ya había dejado de componer, pero Mühlfeld "obligo" con su sonido e interpretación sus últimas obras para clarinete de Mühlfeld.

Inspirado en el proyecto que comenzó en 2007 llamado “Palas por Pistolas” en la ciudad de Culiacán (cuna del cartel de narcos más importante de México), recicló 1.500 armas, cedidas por las autoridades, en el mismo número de palas para sembrar la misma cantidad de árboles. De este modo Reyes transformó estos instrumentos de odio y muerte en instrumentos literales, y de esta manera, ayudar que proporcionen la vida a través de la música, en lugar de quitarla.

Un par de años más tarde recibió una llamada del ejército mexicano que le ofrecía miles de armas decomisadas a los narcos de la droga, en una de las ciudades más violentas de México (Ciudad de Juárez) para desarrollar una obra de arte. El también escultor sólo pudo pensar en una opción: de los cañones que significaron muerte en Ciudad Juárez ahora saldría música.

De la mano de herreros y músicos construyó instrumentos de viento, cuerdas y percusiones, para celebrar un concierto el pasado octubre, en el que varios artistas tocaron los nuevos artefactos e interpretaron Imagine, de John Lennon, para entregar el mensaje del artista sobre que la cultura es la mejor medicina contra la violencia. Debido a la popularidad que ha tenido esta iniciativa, sigue con la rueda de conciertos. El último ha sido el pasado agosto en la inauguración de la muestra internacional de arte contemporáneo Visible Invisibilización, en Quétaro, México.

Además se han presentado su obra reciclada en las galerías de arte de Londres, Turquía, Corea del Sur, y pasará por Australia, Japón y Estados Unidos. El recorrido, asegura Reyes, no es sólo para mostrar que existe un problema de violencia asociado con la venta de armas, sino también con la silenciosa y millonaria industria armamentística. “Normalmente sólo oímos de la armas cuando se usan y ese es el lado visible de la violencia, pero el lado invisible es donde las armas se producen. Creo que tenemos que desarrollar una cultura de rechazo a la industria de las armas.”, afirma.

Fuente: www.concienciaeco.com

En los pueblos de la antigüedad la trompeta aparece entre sus instrumentos musicales. Los egipcios atribuían su invención al dios Osiris y había sido heredada de los pueblos de Mesopotamia, disponían de diferentes trompetas que utilizan en paradas militares y rituales religiosos. Se encontraron dos trompetas en la tumba del faraón egipcio Tutankamon, que reinó de 1353 a 1358 a. C. La primera de ellas es de bronce y la segunda de plata, lo cual constituyó sin duda una excepción. Dichas trompetas estaban fabricadas en bronce con el método de cera perdida. Se conservan trompetas del Imperio persa en el museo de Persépolis (Irán). En la Cultura Nazca, se pueden encontrar trompetas de cerámica.

Entre los pueblos hebreos la trompeta recibía el nombre de hazozra o chatzótzráh y tenía un carácter casi divino ya que atribuían su construcción a Moisés, siendo tocada únicamente por los sacerdotes para anunciar las asambleas y acompañar las consagraciones y los sacrificios. También tuvo uso militar y servía para levantar los campamentos nómadas o para dar la señal de alarma. La trompeta hebrea era corta, de unos 45cm de largo, con un tubo cónico de plata batida que producía un sonido homogéneo e ininterrumpido, o bien en dúos de dos trompetas, es decir, articulando distintamente varias notas diferentes. También existía otro tipo de trompeta, el shofár que estaba fabricada a partir del cuerno de un animal y era utilizado en varias fiestas judías, así como en algunos servicios de otras religiones cristianas y judeocristianas.

Otros pueblos que conocían y desarrollaron diferentes trompetas fueron el germano y el celta. La forma primitiva de «ese» (S) cónica de los cuernos germánicos y escandinavos denominados lur, lures, lure o luur era debida a que estaba construida con el colmillo de un mamut. Se conservan ejemplares en perfecto estado hallados en excavaciones arqueológicas realizadas fundamentalmente en Dinamarca. El tubo se componía de dos partes curvas de diferente longitud, la segunda de las cuales estaba situada en un plano distinto a la primera. Por lo general los ejemplares que se han descubierto aparecen unidos de dos en dos, de idéntico tamaño y simétricos, lo cual hace suponer que se tocaban por parejas afinadas al unísono, o bien simultáneamente, o en alternancia. Se han realizado intentos con los ejemplares mejor conservados en los se han conseguido los doce primeros armónicos y una escala cromática de una séptima a partir del sonido fundamental, pero es poco probable que los antiguos aprovecharon esta extensión sonora.

En torno al siglo IV a. C., los griegos ya incluían certámenes de trompeteros en el programa de los Juegos Olímpicos. La trompeta recibía el nombre desalpinx y su invención estaba atribuida a la diosa Atenea. Estaba fabricada en hierro o bronce, a veces de plata y era un tubo estrecho y con embocadura de cuerno o de hueso. Antes del pabellón, que era esférico y de dimensiones modestas, solían colocarse anillas decorativas o corredizas.

Los cuerpos de trompeteros romanos favorecieron el desarrollo de las trompetas utilizándolas para llamamientos, fanfarrias militares y civiles. En las esculturas romanas se puede observar que las trompetas aparecían en todas las procesiones. La cultura china contribuyó en gran medida en el desarrollo de la trompeta, aportando una curiosa trompeta compuesta por diferentes tubos cónicos que encajaban unos en otros telescópicamente.

Edad Media

En la Edad Media, con instrumentos hechos de aleaciones de metales, se iba notando una distinción entre dos ramas de instrumentos de viento metálicos: los que posteriormente evolucionarían a trompetas y derivado, conocida como claro, y los que se derivarían en los trombones y familiares, denominada buccina.

 Durante esta época la trompeta adquiere popularidad debido a su gran sonoridad. Es el instrumento preferido de la nobleza. Los trompeteros y timbaleros tocan en fiestas solemnes, gozando de una posición social más elevada que el resto de los músicos. La trompeta se constituye en un elemento imprescindible para transmitir órdenes en el campo de batalla, en el castillo y pronto comenzaría a realizar funciones de entretenimiento para la nobleza. Esto dará lugar al nacimiento de trompetas trovadores de guerra y trompetas trovadores de corte o cámara.

Las trompetas antiguas eran de bronce fundido o planchas de hierro fino, eran rectas y sus embocaduras fueron una prominencia en el extremo del tubo hecha para apoyar los labios. A finales del siglo XIV la trompeta deja de ser recta, tomando en un primer momento la forma de ese (S) para hacerla más manejable y posteriormente fue tomando la forma actual con tubo cilíndrico en las dos terceras partes de su longitud para ensancharse en el último tercio y formar el pabellón. Paralelamente a esta evolución aparece la trompeta de varas o correderas que es la antecesora del trombón. Ésta consistía en la prolongación de la embocadura en el primer tubo del instrumento de esta forma la embocadura quedaba fija y el resto del instrumento se alejaba o volvía a sí. Se la denominó trompeta de corredera, doble trompeta o sacabuche, entre otros nombres.La gran importancia de la trompeta en los conjuntos instrumentales medievales se advierte en el hecho de que, de los cuarenta y dos instrumentistas adscritos a la corte de Enrique VIII de Inglaterra, catorce eran trompetistas

El Barroco

La llamada trompeta «natural» o «barroca» fue el instrumento para el que escribieron Claudio Monteverdi, Jean-Baptiste Lully, Henry Purcell, Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel: se trataba de una trompeta vaciada en metal y de forma moderna (sección cilíndrica hasta el pabellón que se ensancha progresivamente), pero que no podía emitir debido a la presión del aire nada más que los armónicos naturales del sonido fundamental que venía determinado por la longitud del tubo (teóricamente, esta longitud debería ser 2,34 m). La trompeta natural estaba afinada en do, más corrientemente en re (en ocasiones en fa en la Alemania del siglo XVIII). Su sonoridad clara y penetrante, brillantísima, perfectamente adaptada a las interpretaciones al aire libre, hizo que se pasaran por alto sus limitaciones por lo que hay muchos pasajes que, aún tocados en modelos de válvulas, siguen pareciendo de una dificultad increíble. Las trompetas naturales que se tocaban en conjunto en fanfarrias eran idénticas, es decir, todas ellas estaban en la misma tonalidad: el músico que tocaba la parte superior utilizaba una embocadura más pequeña para facilitar la producción de notas sobreagudas. La actual trompeta de caballería es una trompeta natural.A comienzos del siglo XVII, el papel de la trompeta en los conjuntos orquestales no era muy importante, aunque existen excepciones. El Orfeo de Monteverdi (1607) es la primera obra en la que se integra a la trompeta dentro de las formaciones orquestales y dentro de esta obra se puede encontrar una tocata para cinco trompetas de diferentes afinaciones. Hacia finales del siglo XVII, la trompeta comienza a tomar un papel más protagonista y a ser un instrumento muy utilizado en las agrupaciones orquestales. Apareció entonces el Modo per imparar a sonare di trompa, de Fantino (Método para aprender a tocar la trompeta), publicado en Fráncfort del Meno en 1638, que es un testimonio del amplio uso que se la daba al instrumento.En el mismo período, Purcell empleó frecuentemente la trompeta. En su ópera Dioclesian, una trompeta y una voz de contralto cantan a dúo. Sus composiciones solían ir destinadas como era costumbre de la época a John Shore, trompetista de la corte y miembro de una familia de trompetistas que fue famosa durante todo un siglo. En esta misma época la gran mayoría de los compositores alemanes incluían la trompeta en los conjuntos orquestales.

Siglos XVIII y XIX: la trompeta de pistones

El proceso que permite dotar al instrumento de un cromatismo capaz de eliminar los inconvenientes presentados por las trompetas naturales comienza a finales del Barroco. Son numerosos los intentos realizados al respecto: tonillos o piezas de recambio, trompeta de tapadera, trompeta de correderaso de varas y por último la aplicación gradual de los pistones.Las piezas de recambio permitieron durante algún tiempo obtener diferentes tonalidades al aplicarlas a la trompeta pero a lo largo del siglo XVIII se siguió investigando para elevar los acordes de los cobres por medio de llaves y agujeros. Fue Anton Weidinger investigador y virtuoso de la trompeta de llaves, que aplica al instrumento las llaves basándose en los mismos principios en los que se basa la flauta o el fagot. Esta trompeta constaba de 3 o 4 llaves colocadas al costado y gracias a esto podían hacer todas las notas de la escala diatónica y cromática. Haydn y Hummel escribieron para Weidinger sus famosos conciertos. A pesar del éxito la trompeta de llaves no se impuso fue usada durante algunos años por bandas militares de Austria y de Italia, a finales de los años 1920 desapareció.Tras los primeros intentos consistentes en ponerle llaves a la trompeta se pasó a ponerle una vara (esta forma tuvo cierto éxito en Inglaterra en gran parte debido a eminentes trompetistas defensores de su uso como T. Harper y J. Horton, entre otros). La inclusión de los pistones tiene lugar de manera paulatina, siendo el inventor irlandés Charles Clagget quien construye en 1790 una trompeta doble afinada en Re y Mi ♭ con una única embocadura y como innovación un pistón. Más tarde, hacia 1815, Blühmel y Stölzel inventarían el sistema de pistones que posteriormente sería mejorado por Adolphe Sax y Périnet (en 1839) hasta llegar a una forma muy parecida a la actual de J.P. Oates, pasando por las mejoras que introdujo Merry Franquin, profesor del Conservatorio de París, que han permitido a los ejecutantes modificar a voluntad la altura de los sonidos del instrumento. Dauverne en Francia construyó la primera trompeta de dos pistones y la inclusión del tercer pistón se produjo en 1830 de mano de Müller de Magunciay Satter de Leipzig.

La trompeta de pistones llegó justo a tiempo para que Richard Wagner comenzara su música con gran aplicación de los sonidos metálicos de los instrumentos como el trombón y la trompeta, dándole un mayor papel protagonista. En la segunda mitad del siglo XVIII las orquestas se constituían corrientemente con dos trompetas (excepto para el acompañamiento de las obras corales, caso en el cual se escuchaban tres y hasta cuatro de estos instrumentos). Como norma general Wagner empleó tres, a fin de poder asignar a la trompeta acordes enteros. En su ópera Tannhäuser, un motivo especial lo lleva a emplear hasta doce trompetas. Desde Wagner los compositores de obras para orquesta han usado la trompeta sin ninguna clase de restricciones, siendo tres el número empleado normalmente.Hasta finales del siglo XIX la trompeta de pistones no encuentra su puesto definitivo en la orquesta: Hector Berlioz seguía utilizando la trompeta natural y hasta 1920 se usará una trompeta de válvulas afinada en Fa que ya no es utilizada.

Siglo XX

La trompeta en el siglo XX es un instrumento destacado en muchos y diferentes estilos musicales. Se puede encontrar en cualquier sala de conciertos sinfónicos o de cámara como solista o junto a otros instrumentos o en cualquier club de jazz.Las partes en las obras que corresponden al clarino barroco se tocan con pequeñas trompetas de pistones denominadas trompeta píccolo, afinadas en si ♭-la y con cuatro pistones. Sin embargo, desde los años 60 vuelve a utilizarse nuevamente una trompeta natural en re a la que también se ha bautizado con el nombre de «clarino», muy apreciada en interpretaciones de música barroca. A finales del siglo XX, el éxito lo ostenta la trompeta afinada en si ♭ aunque el timbre peculiar de la trompeta moderna en re haya sido empleada por compositores como Olivier Messiaen o Arthur Honegger (compositor que le dedicó a este último instrumento su Segunda sinfonía para orquesta de cuerdas y trompeta en re ad libitum). Ígor Stravinski también realizó composiciones para trompeta.Hoy, la trompeta se usa en casi todas las formas de música.

 - Percusión.

Francisco J. Oliva; Bombo, Pablo Ortiz; Platos, Joaquín Lao; Caja, juan Marcos; Caja, Juan Antonio; Lira y timbales.

 - Tubas.

David, J. Manuel y Antero.

 - Bombardino.

Alejandro Ortiz.

 - Trombones.

Antonio J. Hernández, Juan Pablo y Álvaro.

 - Trompetas.

Alberto, A. David Fernández, Eleni, Pepe, Victoria, Juan Cobos y Kiko Cobos.

 - Saxofón Barítono.

Chema.

 - Saxofones Tenores.

Bea, María Ortuño, Pascual, Mª Carmen Rosales, Sele.

 - Saxofones Altos.

Amanecer, José Oliva, Mª Mar Bretones, Rocío, Lorena Fernández, David Vargas, Alba Ortiz, Paco García.

 - Saxofones Soprano.

Marina, Mª Carmen Salinas.

 - Clarinete Bajo.

Jaime.

 - Clarinetes.

Lorena R. Martínez, Ana Carmen, Ana Mari, Carlos, Celia, Mario, Rocío, Elvira García, Elvira Salmerón, José Ortiz,

 - Flautas.

Cesar, María Sánchez.

 - Flautín.

Mª Mar Martínez.

 La directiva esta compuesta por las siguientes personas:

 PRESIDENTE: Alejandro Ortiz Bernabé.

VICEPRESIDENTE: José Manuel García Aparicio.

SECRETARIO: Francisco J. Oliva Herrerías.

TESORERO: Juan Pablo Oliva García.

VOCAL 1: Piedad Ortiz Fernández.

VOCAL 2: Amanecer Moya González.

VOCAL 3: Juan Marcos Guzmán González.

VOCAL 4: Joaquín Lao García.

Aprendió el instrumento de forma autodidacta e intentando al principio imitar a los grandes saxofonistas de Kansas City, Era 1935, y con tan solo quince años tenía el carné de músico profesional del "Local 627", sindicato de músicos de Kansas. En 1938 después de que el clarinetista, Buster Smith, le aconsejara sobre la técnica del saxofón y el uso adecuado de las boquillas y cañas, se marcha a Chicago y de allí salta a New York. Sobrevive fregando platos en un restaurante donde Art Tatum, tocaba el piano y tras cuatro de años con el carné de músico y tras varias experiencias importantes, Charlie Parker entra en la banda del pianista,Jay McShann, con quien permanecerá hasta 1942, siendo un elemento fundamental en la sección de saxos. Con JayMcShann, grabará sus primeros discos importantes y en ellos está el germen del genio extraordinario que vendría poco después. En una de las estancias de la orquesta de McShann en el Savoy Ballroom de Harlem, se cruza por primera vez con quien seria su alter ego musical, el trompetista, Dizzy Gillespie.

Cuando McShann, decidió regresar con la orquesta a Kansas City, Parker optó por quedarse en New York, y participar en la agitada vida musical de la ciudad. Sus jam sesión en el Minton’s Playhouse, eran diarias y en ese tiempo, el sustento económico lo proporcionaba un contrato con la orquesta de Earl Hines. De aquel periodo no hay grabaciones debido a la prohibición de grabar discos que se prolongó hasta bien entrado 1944. "Bird" apodo por el que ya se le conocía, dejó pronto la orquesta y forma un cuarteto para tocar en el club"Three Deuces" de la Calle 52 en una sesión liderada por el guitarrista Tiny Grimes para el sello Savoy. El bebop, estaba a punto de llegar.

En 1945, Charlie Parker grabará junto a Dizzy Gillespie, una serie de discos que, para la historia, quedaran como los primeros verdaderos testimonios de esa nueva forma de jazz. La música contenida en las sesiones de Savoy (1944-1948) y Dial (1945-1947) son hoy indiscutibles clásicos del jazz. En Diciembre de aquel año, encabezando con Dizzy un sexteto estelar se marcho a California con un contrata para tocar en el club "Billy Berg’s" de Los Ángeles y la experiencia es un fracaso musical y económicamente. La adicción de Parker a la heroína es total y hay noches que no aparece por el club, lo que provoca que Dizzy Gillespie decidiera no tocar mas con el, cosa que cumple con contadísimas excepciones. Cuando Gillespie regresa a New York, Parker se queda en Los Ángeles dada la relativa facilidad con que allí encontraba la heroína. Su cuerpo no resistió y tuvo que ser ingresado en el Hospital Psiquiátrico de Camarillo, después de una sesión fatídica de grabación de la que salió un angustioso "Lover Man" con Parker casi sin poder sujetar el saxo.

Siete meses después, desintoxicado, pero nunca curado, regresa a New York e iniciará a partir de 1947 y durante cuatro años, la etapa mas brillante y creativa de su carrera. Charlie Parker, llevó el mensaje del bebop por los clubes mas importantes de New York, -incluyendo el que inauguraron en 1949, cerca de Broadway y que bautizaron"Birdland" en su honor- y de las principales ciudades del país. Firma un contrato con el sello Verve, tercera estación de paso obligatoria en su discográfica junto a las sesiones grabadas para Savoy y Dial. Empieza a llegarle los honores cuando las revistas especializadas: Down Beat y Metronome, lo eligen varias veces como "Numero Uno" en su instrumento. 1949, es el año de su primer viaje a Europa con ocasión del Primer Festival Internacional de Jazz de París. En 1950 vuelve a visitar Europa tocando en Escandinavia y en 1951, lo hace en una gira organizada por Norman Granz bajo el patrocinio del JATP.

Nuevas recaídas con la droga le avisan del estado de salud, y provocan que le sea retirado el carné para poder tocar en los locales de New York. Mantiene una relación amorosa y sentimental con Chan Richardson que le da un hijo y una hija. Es la muerte prematura de esta ultima en 1954 la que acelera su fin. Alterna sesiones musicales grandiosas con estados depresivos cada vez mas frecuentes, bebe como un cosaco y su conducta es cada vez mas caótica hasta el punto de que intenta suicidarse de nuevo. Su ultima aparición en Birdland, el 5 de marzo de 1955 será una autentica catástrofe. El día 9 sintiéndose mal se refugia en la casa de la Baronesa Pannonica de Koenigwarter donde falleció mientras miraba un show cómico en la TV.

Charlie Parker, tenía 35 años y su muerte según el parte médico del forense - que dejó escrito que el cadáver era de un hombre que aparentaba 60 años- fue producto de una combinación entre neumonía, ulcera de estomago, cirrosis e infarto posterior. Al día siguiente, apareció por todas las paredes de New York, y en los vagones de metro, graffitis e inscripciones que decían: "BIRD LIVES". Y tenían razón. Charlie Parker, el más extraordinario saxofón alto y el mas grande improvisador de toda la historia del jazz, había, en poco mas de una década, cambiado con su música el curso de esa misma historia de forma imparable y las consecuencias de su gigantesca aportación sigue hoy tan valida como entonces.

La muestra incluye el clavecín de Bach, la armónica de cristal de Benjamín Franklin y el órgano de Mighty Wurlitzer, el más grande de su tipo en Europa. El museo organiza además actuaciones en vivo casi todos los días.

El museo fue fundado en 1888 a partir de una colección reunida por Phillip Spitta y Joseph Joachim. El primer director del museo fue Oskar fleicher quien realizo las mayores adquisiciones con el apoyo financiero de Guillermo II.

Fue muy importante para el museo Curt sachs, uno de los fundadores de la moderna organología, dio un enfoque científico a las colecciones. El museo creció en importancia internacional y sus catálogos constituyeron la base para trabajos de investigación académicos. En 1935 y debido presiones políticas, la colección de instrumentos musicales pasó a formar parte del recién fundado institut für deustche Musikforschung, encabezado por max Seiffert. En 1943, los instrumentos fueron evacuados de Berlín para protegerlos de los bombardeos aliados. A pesar de las amplias medidas de seguridad, una gran parte se perdió.

En 1945, el institut für deustche Musikforschung es reconstruido dando gran énfasis al museo de los instrumentos musicales. Alfred Berner, director desde ese año hasta 1975, fue en gran medida el artífice de dicha reconstrucción, así como de la creación de una importante biblioteca musicologica, especialmente centrada en la organologia.

Desde 1984 el museo está ubicado cerca de la plaza klemper, en la calleTiergartenstrabe 1, junto a la filarmonica de Berlín, el museo también tiene su propio auditorio donde se celebran conciertos periódicamente.

En cuanto a la colección de instrumentos y en referente a los instrumentos de teclado, ésta es destacable tanto en cantidad como en importancia.

En la segunda planta del museo, destaca especialmente una magnifica exposición de las partes constructivas del piano y su mecanismo, en la que se puede observar con claridad tanto los diferentes elementos de nuestro instrumento como su funcionamiento y construcción.

El theremin fue uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos. Fue inventado por el ruso Leon Theremin en 1928, y además de su sonido, lo más curioso es que el ejecutante no tiene ningún contacto físico con él. Es un instrumento sorprendente.

Armónica de vidrio.

Este instrumento fue inventado por el político estadunidense Benjamin Franklin en 1762, un año después de ver a Richard Pockrichan interpretando un instrumento hecho de cristal en Londres.

Arpa judía.

Se sostiene entre los dientes o los labios y se pulsa con los dedos. El gewgaw originalmente vino de Asia y es uno de los instrumentos musicales más antiguos del mundo. En países como Vietnam o Camboya se fabrica también de bambú, además de aluminio.

Kalimba.

Este instrumento tiene un juego de laminas de diferente longitud y material, duras pero flexibles, como las de metal o de caña. Están fijadas a un puente por un extremo, y tienen libre el otro, de forma que producen sonidos al ser pulsadas con los dedos por los extremos libres. Las dimensiones de las láminas determinan las frecuencias a las que pueden vibrar, lo que se traduce en las notas diferentes que pueden dar. Así, variar el tono o afinar el instrumento equivale a alargar o disminuir la longitud de las placas.

La caja de resonancia en la que está empotrado el puente puede tener multitud de formas y ser de diferentes materiales.

Arpa Láser.

Una arpa láser es generalmente construida utilizando un solo rayo láser, difundiendo su onda en una serie en paralelo. Cuando una onda es bloqueada, esta es detectada por un fotodiodo o una fotorresistencia, que está conectada a una consola electrónica, activando así la nota indicada. Para reproducir el sonido, actualmente se utilizan sintetizadores, o ordenadores conectadas al arpa.

Vivo por ella,Andrea bocelli .

es una canción escrita por Gatto Panceri para el álbum de Andre boceli, Romanza de 1995 en dúo con la cantante italiana de pop Giorgia. La canción ganó un disco para el verano pero, en principio, la canción no fue particularmente exitosa, ni siquiera entraba en el ranking de los mejores vendedores.

Amores extraños, Laura pausini:

es una canción grabada por la cantante Italiana Laura Pausini, fue lanzada en Febrero del año 1994 es el primer sencillo de su álbum en italiano. Escrito por Angelo Valsiglio, Cheope, Marco Marati y Francesco Tanini, con está canción Pausini debuta por segunda vez en el Festival de la Canción de San Remo está vez en la categoría de Artista establecido, donde logró obtener la tercera posición.

La cosa más bella, Eros Ramazzotti.

Fue el sencillo más escuchado en la radio en 1996.

Completamente enamorados, Chayane

El tema original era de Eros Ramazzotti pero dos años más tarde el cantante boricua hizo su propia versión, que arrasó en Estados Unidos y la mayoría de los países latinoamericanos.

Amiga Mía, Alejandro Sanz.

Amiga mía es una de las canciones más importantes en la carrera del cantante Español. La canción se desprende del quinto álbum de estudio Más del año 1997, Fue lanzada al mercado en el año 1998.

A la muerte de Antonio Ortiz se hizo cargo de la dirección de la banda su hermano Juan Ortiz, donde se comenzó a interpretar, entre otras piezas, La Cacería Real, El Sitio de Zaragoza, o los pasodobles Olé y Pepito Sarriá.

En los años sesenta la banda se resintió, pues algunos de sus miembros emigraron a otras ciudades de España hasta quedarse con sólo 7 miembros. En estos años algunos músicos de la banda también formaron un conjunto con el que amenizaban las fiestas de los pueblos a los que iban a tocar.

Ya en la década de los setenta se hace cargo de la banda de música de Abla Juan Ortiz “El pulevas”. En estos años se incorporaron nuevos músicos, pero aún así la banda seguía siendo muy pequeña, por lo que en los años 1978, 79 y 80, las bandas de Abla y Abrucena se fundaron en una sola.

A lo largo de los ochenta, la banda experimento una gran mejora con la incorporación de nuevos músicos entre ellos la primera mujer que tocó en la banda de Abla, incorporándose posteriormente muchas más.

Han sido más de 50 los pueblos de Almería y Granada a los que ha ido a tocar la banda de música de Abla: desde Alcudia de Monteagud en los filabres hasta Pinos del Valle (en el valle de Lecrin) y desde Freila en la presa del negratín hasta Cabo de Gata. También, participó en la Semana Santa de Granada con la Hermandad de los Estudiantes, y se incorpora en la Federación de Bandas de Andalucía, participando en todos los Festivales que se han celebrado hasta ahora a excepción del Certamen de 1989 del Ejido, a causa de un accidente sufrido por los músicos.

En 1996, y después de 30 años al frente de la misma, Juan “el Pulevas” cede la dirección a Antonio Herrerías. El número de músicos se incrementa de forma notable y la banda pasa de 33 a 45 componentes. También, se renueva el repertorio, se vuelve a actuar en la Semana Santa de Granada, y se recorren numerosos pueblos.

En el año 2003, Jesús Valverde pasa a dirigir la banda, siendo el primer director no abulense.

En 2007, José Domingo Castillo Navarro se hace cargo de la dirección de la agrupación, contando la misma con una treintena de músicos y unos 15 alumnos en su escuela.

Y es en el año 2009, cuando Antonio Herrerías vuelve a tomar el mando de la Banda de Música, el cual, ostenta desde entonces. Actualmente, se afronta una nueva etapa con ilusión, contando la Banda con unos 50 componentes y 30 alumnos en su escuela.

Son muchos los músicos que han formado parte de la Banda de Música. Es por ello que merecen todo nuestro respeto y admiración, pues han hecho posible que en Abla suene la música a lo largo de cien años, gracias a que sacrificaron su tiempo en beneficio de la cultura musical abulense.  

2.Aniversario Macareno

3.Buen Suceso de María

4.Callejuela de la O

5.Caridad del Guadalquivir

6.Córdoba Cofrade

7.Coronación de la Macarena

8.Costalero

9.Cristo de las Aguas

10.Cristo en la Alcazaba

11.El Evangelista

12.Encarnación Coronada

13.Esperanza Marinera

14.Gracia y Amparo

15.Gran Poder

16.Hermanos Costaleros

17.Hosanna in Excelsis

18.Lágrimas de Guadalupe

19.Macarena

20.Madre Hiniesta

21.Madrugá de canela y clavo

22.Nuestro Padre Jesús

23.Nazareno y gitano

24.Paloma Mercedaria

25.Quinta Angustia

26.Rosario de Santo Domingo

27.Santos Lugares

28.Stmo. Cristo del Desamparo y el Abandono

29.Triunfal 

30.Virgen de los Reyes

31.Virgen Estudiantes

De Tutorioal Banda de Música (FTP)

Este es el icono del acceso rápido al servidor ftp de la banda.

De Tutorioal Banda de Música (FTP)

En esta ventana se observa donde esta situado el enlace de acceso rápido al servidor. Para entar en el servidor solo hay que hacer CLICK en el icono. Se abrirá una nueva ventana y se cargará el siguiente formulario(ver la siguiente imagen)que hay que completar como se ha mencionado anteriores ocasiones, ejemplo:

NOMBRE DE USUARIO: 12345678a

CONTRASEÑA: 12345678A

De Tutorioal Banda de Música (FTP)

Y si todo ha salido bien nos mostrará nuestras carpetas como se muestra a continuación:

De Tutorioal Banda de Música (FTP)

Para retroceder, solo hay que pinchar en [directorio principal] como se muestra en la imagen.

De Tutorioal Banda de Música (FTP)

Recomiendo Google Chrome para una mejor visualización, aunque los demás navegadores funcionen.

Si vemos que sale un error en FileZilla y antes funcionaba todo a la perfección, podemos mirar en la sección de este blog "ESTADO DEL SERVIDOR" y saber si esta disponible o no.

Si al entrar en http://labandadeabla.blogia.com y el recuadro está de color verde:

De Tutorioal Banda de Música (FTP)

El servidor está FUNCIONANDO.

Por el contrario si vemos esta pantalla:

De Tutorioal Banda de Música (FTP)

El servidor NO ESTÁ FUNCIONANDO

Si ves que el cuadrado esta verde y no se conecta lo más probable es que tengas un error en el usuario o la contraseña. Si teneis problemas deja un comentario pinchando en el "Bocadillo" que hay al lado del nombre de este artículo o entrando en el grupo de Facebook de la Banda de Música de Abla y dejando un mensaje.

Buscamos en Google FileZilla y pinchamos en Download

Aparecerá esta pantalla..

Pinchamos en la versión que mejor se adapte a nuestro Sistema Operativo, en mi caso tengo Window, pues pincho en el recuadro verde donde pone Download Now...

La descarga comenzará.... esperamos que termine y al finalizarse hay dos opciones:

1º Nos sale directamente ejecutar

2º Tenemos que ir a descargas para buscar el archivo descargado y hacer doble chic para instalarlo.

Aqui os muestro una imagen de la carpeta descargas y la pantalla para ejecutar...

Despues de pinchar en ejecutar solo tenemos que pinchar en next...

Pincamos en Install

Dejamos que se instale...

Y pinchamos en Finish...

Si todo ha ido bien ya tenemos el programa instalado, ahora solo queda conectarse al servidor y a disfrutar...

Al pinchar en Finish se abre el programa y...

En la parte superior encontramos este apartado..

Aqui tenemos que introducir los siguientes datos:

Servidor: bandaabla.no-ip.org

Nombre deusuario: DNI+letraminuscula

Contraseña: DNI+letraminuscula

**NOTA** Si entramos desde la red WIFI "Centro Cultural de Abla" el servidor será 192.168.1.20

y pinchamos en conexión rápida... Si todo esta bien y el servidor esta funcionando pues veremos esta pantalla ...

Si hasta aquí todo esta bien ya podemos comenzar a descargar canciones.

Las carpetas disponibles las cuales puedes ver son las siguientes...

La carpeta Partituras y General solo tienes permisos de descarga pero la carpeta Aportes tienes permisos de lectura y escritura...

Para descargarte una canción solo tienes que arrastrar la cancion desde la carpeta del servidor a la carpeta del ordenador que quieras. Para subir un archivo a la carpeta Aportes solo tienes que arrastrar el archivo desde tu ordenador hasta Aportes.

En la parte de abajo del programa, en la pestaña "Archivos en cola" se muestra el tiempo que queda de descarga.

Si teneis dudas dejad un comentario pinchando en el "Bocadillo" que hay al lado del nombre de este artículo.